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Se muestran los artículos pertenecientes a Abril de 2008.

Crítica número 7: 39 escalones (Alfred Hitchcock, 1935)

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Interesante
Dinámico filme de espionaje con protagonistas sin interés ( no es culpa de los actores, sino de la pobre o casi nula caracterización que hace el guión de los personajes ), ocurrentes ideas visuales y situaciones notablemente resueltas por Hitchcock, el cual todavía tardaría unos años en aunar el suspense, la aventura cotidiana y sus ideas visuales con profundos personajes y sensaciones.

Puntuación: 3/5

"Las puntuaciones son un método de valoración que tiene la virtud de constituirse en una referencia rápida para el lector, pero no matiza bien las cualidades o defectos." 

 

 

02/04/2008 21:00 cineyarte #. Críticas de cine No hay comentarios. Comentar.

Crítica número 8: La bella de Moscú (Rouben Mamoulian, 1957)

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El canto de cisne del gran Mamoulian
La bella de Moscú no destaca por su anecdótico argumento más o menos divertido, finalmente carente de interés, sino por la maestría en el dominio del movimiento, del ritmo en escena que muestra Mamoulian: algunas escenas son una sublime muestra de elegante realización en la que el movimiento de los actores se acompaña por movimientos fluídos de la cámara que acentúan la sensación dinámica que se intentaba transmitir. Muestra de esto son dos escenas de radiante perfección: la escena en la que Astaire convence a Nina para que baile y se rinda a las pasiones carnales y el momento en que ésta misma danza por su habitación descubriendo la moda femenina.

Agradable y no demasiado relevante filme, su único (pero importante) interés reside en que Mamoulian nos demuestra una vez más su total dominio del encuadre, del comedimiento, de la plasticidad y del movimiento en el cine.

Puntuación: 3,5/5

 

02/04/2008 21:04 cineyarte #. Críticas de cine No hay comentarios. Comentar.


Crítica número 9: Don Quijote de Orson Welles (Orson Welles, Jesús Franco, diversas fechas)

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Esperpento insultante.
Basada en la obra cervantina, Don Quijote muestra una serie de escenas rodadas durante años por Welles, y montadas ( por el terriblemente mediocre Jesús Franco ) de manera que reúna las mínimas características para llamarse película.

Algunos fragmentos poseen ciertamente interés visual pero, sinceramente, no era necesario el esfuerzo para tan desmarañado y confuso esperpento resultante. No posee el más mínimo interés cinematográfico. Esos materiales deberían haberse conservado sin cambios, reservándolos para el estudio y el análisis, nadie debía haberlos insertado en una producción ajena.

 

Puntuación 1/5

02/04/2008 21:08 cineyarte #. Críticas de cine No hay comentarios. Comentar.

Crítica número 10: La venganza de Ulzana (Robert Aldrich, 1972)

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Terrible pero bella tierra
La venganza de Ulzana es, en mi opinión, una obra maestra que supone un excepcional colofón a la larga lista de westerns que el cine nos ha legado.

Western violento, preciso, tranquilo, descarnadamente bello, nos situa en las desnudas y bellas montañas, arroyos y praderas de Arizona reflejando la libertad perdida, los primitivos instintos de libertad del hombre, el valor de la experiencia, el misterio de los ritos desconocidos, la indescriptible belleza de lo olvidado y de lo eterno.

Constituye un viaje iniciático para su joven teniente protagonista, un viaje en el que descubrirá el valor de las enseñanzas, la crueldad de lo primitivo, del instinto animal que se desata en el ser humano si lo despojamos de su capa social occidental.

Los indios, violentos e instintivos, aparecen como seres que conviven armoniosamente en la naturaleza, actuando según sus costumbres, siendo portadores de un alma libre y siendo perseguidos por un grupo de exploradores liderados por un joven teniente ( lo nuevo, lo limpio e idealizado ) y un viejo explorador ( lo viejo, la experiencia ).

Fotografía ( bellísima tierra, polvo, agua, cielos y hierba ), planificación ( excelente: asesinatos, persecución y episodios sedentarios se nos presentan con plena exactitud ) y actuaciones ( Buena interpretación de Lancaster y correcta la de su joven acompañante, por otra parte los indios son los más creíbles, enigmáticos y maravillosamente sugestivos de toda la historia del cine ) conforman una de las piezas más precisas, bellas y reflexivas que el cine puede alumbrar.

Puntuación: 5/5

02/04/2008 21:11 cineyarte #. Críticas de cine No hay comentarios. Comentar.

Critica número 11: Sangre y arena (Rouben Mamoulian, 1941)

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Obra maestra absoluta
Una noche, un niño se levanta de la cama para acudir a una tasca. En ella conocerá a la nueva figura del toreo ( El garabato) y al prestigioso crítico Curro. Fruto de las mofas que Curro lanza contra su padre muerto en la plaza de toros, ese niño toreará a un mihura en la soledad de la noche. A partir de ese momento sólo tendrá una determinación: torear. Pero el destino le brindará el amor de una mujer y la perdición a la que le conducirá otra...

Película que supone la tercera versión de la novela de Blasco Ibañez (la segunda americana) y que, en mi opinión, supone la cumbre absoluta del cine americano. Es difícil enumerar las virtudes de esta inusitada demostración de talento.

Ritmo narrativo perfectamente planificado, la encadenación de escenas con maravillosa suavidad, elegantes elipsis y nexos entre escenas, fotografía excelente, la composición minuciosa de cada escena, las actuaciones, la banda sonora... Todo ello para transmitir de una forma matizada, plástica, brillante, toda la perversidad erótica, el sentido trágico y el ambiente romántico de la historia.
Filme de infinitos matices, Sangre y arena nos muestra la trágica historia de un torero, pero también nos muestra una historia de pobreza, de hombres y mujeres lastrados por su falta de conocimiento y abocados a las creencias religiosas ( "supersticiones", como comenta Nacional, un personaje de la película). Se trata de una historia en la que el toro ( siempre presente en las sombras ) se constituye como una alegoría de la muerte, del destino trágico.

El adulterio y la codicia de sus allegados provoca la perdición de un joven valiente, vital, al que el toro esperará en la plaza como un siniestro enviado de la muerte. Sólo el amor puro de una mujer podrá devolverle el calor, el bienestar, sólo ella podrá desviarle de su cruel destino. He aquí una muestra de heroe romántico.

Aconsejo a todos aquellos que deseen observar cine bello, artístico, elaborado tanto plásticamente como intelectualmente, que vean Sangre y arena, una de las mejores películas de la historia en la que cada escena revela miles de matices y constituye un fresco romántico.

 

Puntuación: 5/5

02/04/2008 21:16 cineyarte #. Críticas de cine No hay comentarios. Comentar.

Crítica número 12: Una mujer en la playa (Jean Renoir, 1946)

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Sublime reflejo de la imperfección
Un hombre atormentado, traumatizado por una reciente experiencia bélica, es destinado al sevicio de guardacostas. Está a punto de contraer matrimonio cuando una extraña pareja compuesta por un pintor ciego y su enigmática mujer se interpone en su camino...

Observando esta película elíptica ( posiblemente debido a los cortes realizados por la productora ), intensa, apasionada, terriblemente bella, feroz, fantasmagórica, uno tiene la sensación de estar asistiendo a uno de aquellos espectáculos artísticos milagrosos: lo que sucede fuera y dentro del campo de visión, lo que se cuenta y lo que se sugiere se entrelaza forjando una riquísima amalgama de matices, sensaciones de todo tipo, de preguntas y respuestas de infinita riqueza.

Obra paradójica ( los cortes efectuados parecen haber sublimado su esencia en vez de empobrecer su resultado ) en la que unos actores y fotografía soberbios se unen a la dirección maestra de Renoir. Hay algo trágicamente bello e inexplicable en este filme mutilado por políticas de estudio, es semejante a una bellísima escultura griega que ha sido deteriorada, a la que se le ha privado de algún fragmento, pero este hecho, lejos de disminuir su belleza, la resalta resultando su maltrecha figura inquietantemente bella, tan bella y evocadora como lo son los restos del naufragio que yacen en la playa del filme aquí comentado...

Puntuación: 5/5

02/04/2008 21:19 cineyarte #. Críticas de cine No hay comentarios. Comentar.

Crítica número 13: La reina de Cobra (Robert Siodmak, 1944)

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Entretenida pero bastante mediocre
Una pareja está a punto de celebrar su boda cuando de repente ella desaparece. Para recuperarla, su novio le seguirá a la Isla de Cobra, lugar en el que les aguardan terribles descubimientos...

Un primerizo Siodmak nos proporciona entretenimiento fácil gracias a la agilidad narrativa, y los bellos y sugerentes escenarios de su aventura exótica. Pero no se puede obviar lo evidente: se trata de un filme con un guión horroroso ( firmado por un también primerizo Richard Brooks ) que nos presenta personajes totalmente incríbles, situaciones absurdas y poca cohesión y coherencia interior de la trama.

Filme epidérmico y mediocre pero atrayente por su embriagadora apariencia exótica, encierra dentro de su metraje algunas escenas ciertamente logradas: el encuentro en el lago entre el protagonista y la sacerdotisa ( beso bajo la superficie de extraño poder onírico ), la sugestiva escena de la danza de la cobra, o el asesinato de la reina madre.

Puntuación: 2/5

02/04/2008 21:21 cineyarte #. Críticas de cine No hay comentarios. Comentar.

Crítica número 14: Sodoma y Gomorra (Robert Aldrich, 1962)

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Interesante fantasía bíblica
Una parte del pueblo hebreo, guiado por Lot, pone fin a su largo peregrinaje instalándose en las cercanías de la ciudad que pondrá a prueba su fe: la viciosa, egoista y corrupta Sodoma y Gomorra.

Este filme gira en torno a varios polos principales:

En primer lugar Sodoma actúa como una influencia que hace aflorar los vicios, defectos y perversiones del ser humano. Sodoma, idealización de la seducción del mal, polo atrayente, lugar sugestivo que transforma al ser humano hasta situarlo fuera de cualquier ley moral o religiosa.

En segundo lugar se nos presenta la fe cristiana como una doctrina estigmatizadora, dura, inamovible, humilde, intransigente. Defensora de la doctrina de Diós, un Diós vengativo que impone duras cargas a sus hijos en pos de la prosperidad.

Del choque de estas dos ideas, de estas dos visiones, surge un fresco rico en matices aunque no carente de defectos que resulta enormemente atractivo para el espectador: esta película excede del simple espectáculo y supone un estudio de las debilidades humanas, de los sacrificios provocados por la fe y de la libertad.

Al margen de interpretaciones filosóficas es necesario dejar patentes los resultados artísticos de esta obra: la fotografía es discreta, predominando en ella los tonos crudos y áridos del desierto, el guión es irregular, aparentemente simple, pero encierra una complejidad notable en el dibujo psicológico de los personajes, la dirección de Aldrich es también irregular aportando el toque cruel, seco, rico en matices y cínico que le caracteriza. Por otro lado la banda sonora es correcta pero utilizada de manera reiterativa a lo largo del metraje.

En cuanto al reparto, dentro de la corrección general, cabe destacar a Anouk Aimée en el rol de la pérfida reina de Sodoma por su comedimiento e intención en los gestos y a Stanley Baker que representa a su corrupto, vulgar, falso e impotente hermano.

El resultado es irregular pero rico en matices, resultando atrayente por la temática subversiva que subyace en esta obra, alejada de la monotonía y simpleza en el tratamiento argumental y perfilación de personajes propia de las epopeyas bíblicas en su traslado al cine.
Puntuación: 4/5
02/04/2008 21:23 cineyarte #. Críticas de cine No hay comentarios. Comentar.

Crítica número 15: Lola Montes (Max Ophüls, 1955)

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Fin de una época
Lola Montes narra una jornada de circo en la que una condesa escenifica su propia vida. La película tiene innumerables niveles de lectura:

1. Lola Montes ha vivido en su infancia y adolescencia hechos traumáticos ( muerte de su padre y traición por su madre, concertación de un matrimonio con un viejo aristócrata, matrimonio fallido con el oficial inglés ) que han condicionado su desarrollo posterior. Hechos que han supuesto para ella la pérdida de la inocencia y el envejecimiento prematuro físico y espiritual.
2. Desde otro punto de vista este filme expresa el final de una época: la pérdida de la inocencia, el acceso de la masa a la cultura ( totalmente necesario y democrático, pero empobrecedor ) y los pocos escrupulos de los comerciantes del espectáculo ( Peter Ustinov expresa: " No me importa como bailas, lo que me importa es el escándalo ", terribles palabras que anticipan el empobrecimiento de la cultura colectiva, de la que tenemos muestra en la actualidad con determinados espacios televisivos ) suponen un influjo banalizador. Fin de la inocencia y de la decencia que también puede extrapolarse a un mundo cinematográfico en el que Ophüls no encuentra ya su espacio.
3. Es también una singular reflexión sobre el cine: durante todo el metraje se van entremezclando sombras, personajes y situaciones de tal manera que el mundo del circo, de la ficción se confunde con la realidad distorsionándola, moldeándola a las necesidades del espectáculo, lo mismo que ocurre en el cine. El cine concebido como una escenificación de la realidad que a veces debe moldearse o limitarse teniendo en cuenta razones comerciales ( en el circo el público sediento de morbo y escándalo, el el cine el público sediento de emociones inmediatas, poco propenso a la reflexión ).

Al margen de las posibles lecturas cabe destacar el apartado técnico: la fotografía consigue una plasticidad insuperable dándole a veces una tonalidad onírica muy adecuada y los movimientos de cámara son magistrales.
Puntuación: 4,5/5
02/04/2008 21:26 cineyarte #. Críticas de cine No hay comentarios. Comentar.

Crítica número 16: El séptimo sello (Ingmar Bergman, 1957)

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La muerte del cine
En éste filme, Ingmar Bergman nos explica metafóricamente la problemática del fanatismo religioso y del enfrentamiento inevitable con la muerte.

La temática es interesante, hay algunos momentos de una plasticidad maravillosa y existe una atracción especial que mantiene al espectador aferrado a esta diabólica obra hasta el final... Pero el cine se resiente, la capacidad de hacer soñar al espectador, la capacidad para sugerir, hecer reflexinar, entretener, redimir y maravillar que posee el cine clásico se observa poco en este trabajo de Bergman.

El pretendido planteamiento metafórico no puede ocultar la existencia de unos personajes insulsos, de una pobre, desordenada y anárquica narración ( la caracterización de algunos personajes es inexistente: p.ej: la taciturna mujer que acompaña al escudero ), de unas mediocres escenas ( realmente risibles alguna de ellas como por ejemplo la muerte del cómico que se había suicidado fingidamente: el pretendido mensaje no se encuentra por ningún lado y se trata de una situación absurda )...

La existencia de un pretendido mensaje no justifica la desestraucturación, gravedad pedante, la torpeza narrativa de este filme: como vengo sosteniendo contínuamente ( Lord Jim, El proceso de Orson Welles, El Idiota de A. Kurosawa ), el cine casa mal con la narración metafórica, los intentos de explicar el mundo subjetivo o abstracto corren el riesgo de dañar a la película que se quiere realizar: en este caso el mensaje que se quiere plantear destroza el lenguaje cinematográfico hasta dar como resultado una película carente de interés si no se realiza un estudio histórico-sociológico...

Puntuación: 2/5

02/04/2008 21:29 cineyarte #. Críticas de cine No hay comentarios. Comentar.

Presentación y primer paso.

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 "Para empezar mi andadura es necesario presentarme. Me llamo Alfredo Alonso, soy  joven y disfruto mucho profundizando y valorando los distintos aspectos del cine y de la ópera. Mis preferencias, como podrán ustedes observar a partir de ahora, son la seriedad, la emotividad profunda y la reflexión. Espero que este espacio sea de su agrado."

 

Empiezo mi andadura con este pequeño artículo, que publiqué en una revista local de Barcelona que ha desaparecido recientemente. 

 

JACQUES TOURNEUR

EL CINEASTA DE LO OCULTO

  

Cumpliendo siempre con los objetivos de entretenimiento  y divulgación Cineyarte presenta a una de las figuras más ignoradas por el gran público y posiblemente, una de las más apasionantes de descubrir.

    

 Autores cinematográficos 

Desde sus inicios hasta la actualidad, el cine ha visto aflorar algunos directores poseedores de estilo propio para narrar historias: El cine pausado, cotidiano y emotivo de John Ford, el bizarro de Orson Welles, el cine jocoso y chispeante de Billy Wilder, el reflexivo y eléctrico de Akira Kurosawa, el tenso y terriblemente preciso de Alfred Hitchcock, el cine excéntrico de Stanley Kubrick, el sereno y austero de Clint Eastwood…

 

Aquellos directores que merecen ser llamados autores son aquellos que realizan películas  en las cuales, sea cual sea el género ( aventuras, cine negro, comedia, melodrama, acción…), se observa características comunes en su realización, conformando en su conjunto una obra de estilo coherente y propio.

 

Uno de esos autores de cine, uno de los más peculiares por la forma de contar sus historias es Jacques Tourneur.

  Breve repaso a su vida y a su obra 

Nacido en París el año 1904, hijo del director de cine galo Maurice Tourneur, el joven Jacques Tourneur tuvo en su padre una escuela inmejorable en la que aprender los resortes del arte narrativo.

A principios de  los años 30 se casó y debutó como director en poco conocidas producciones francesas. Más tarde emigró a Estados Unidos trabajando en pequeñas producciones, pronto llegarían algunas  magistrales muestras de una personalidad estilística extraordinaria: “La mujer pantera (1942)”, “Yo anduve con un zombie (1943)” o “El hombre Leopardo (1943)”.

 

Poco a poco, el estilo ambiguo, elíptico y mágico del director se fue conociendo en la industria hollywoodiense. Por este motivo le confiaron algunos proyectos  dotados de mayor presupuesto, de entre los cuales cabe citar  “El halcón y la flecha ( 1950 )”, “Retorno al pasado ( 1947 )” o “La mujer pirata ( 1951 )”. Además cabe resaltar su excelente y peculiar aportación al cine del oeste con obras como Wichita ( 1955 ) o Tiera generosa ( 1946 ), las cuales suponían la introducción en este género de la ambigüedad psicológica propia del cine negro.  

 

El fin de su carrera coincidió con  la crisis del cine por la irrupción de la televisión. Para este medio dirigió capítulos en series como Bonanza o En los límites de la realidad. Volvió a Francia y murió en el año 1977 totalmente olvidado por una industria cambiante, más pendiente de artificiosos efectos técnicos que de la propia narración cinematográfica.

 Su peculiar estilo 

Jacques Tourneur fue uno de los maestros de la narración cinematográfica. Su dominio del lenguaje cinematográfico fue total. Sus películas eran elípticas, en pantalla nunca  se mostraba violencia o crímenes, pero el efecto resultante era aún más sobrecogedor: la omisión de lo que el espectador quería ver lograba  que éste se lo imaginara, siendo su imaginación  más rica que cualquier imagen que se pudiera ver.

 

Los métodos narrativos de Tourneur enriquecían hasta el límite historias sencillas y las dotaban de un misterioso tono fantasmal, irreal, enigmático.

   Filmografía orientativa: 

-         LA COMEDIA DE LOS TERRORES (1963)

-         LA BATALLA DE MARATHON (1959)

-         FURIA SALVAJE (1959)

-         LA NOCHE DEL DEMONIO (1957)

-        AL CAER LA NOCHE (1956)

-        WICHITA (1955)

-        LA MUJER PIRATA (1951)

-        EL HALCÓN Y LA FLECHA (1950)

-        BERLÍN EXPRÉS (1948)

 -      RETORNO AL PASADO (1947)

-    TIERRA GENEROSA (1946)

-          DÍAS DE GLORIA (1944)

-        YO ANDUVE CON UN ZOMBIE (1943)

-        LA MUJER PANTERA (1942)

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02/04/2008 14:38 cineyarte #. Artículos sobre cine No hay comentarios. Comentar.

Crítica número 17: King Kong (Peter Jackson, 2005)

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Mediocridad
No se puede hacer pasar como algo encantador, magnífico y apabullante lo que no es más un fracaso artístico de primer orden: la dilatación excesiva del metraje y la carencia de una relectura inteligente muestra la impotencia de su director para llevar a buen puerto una historia simple e inmortal.

La original King Kong poseía ese encanto intangible que poseen aquellas películas que saben sugerir antes que mostrar, que no remarcan cada uno de los puntos de la narración hasta la extenuación ( lo que me lleva a pensar que se trata de un película para niños ), que no tratan al expectador como un ser incapaz de pensar.

Me indigna que un director que no es capaz de realizar la más mínima elipsis, de dotar a sus películas de ritmo y que se dedica a subrayar mil veces lo evidente, tenga tanta repercusión en el cine actual.

Puntuación: 0,5/5

 

02/04/2008 21:31 cineyarte #. Críticas de cine No hay comentarios. Comentar.

Crítica número 18: La Biblia (John Huston, 1966)

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Película polémica
La Biblia de John Huston es una película que narra los primeros capítulos del antiguo testamento: la formación del mundo, el nacimiento de la vida, la haitoria de Caín y Abel y los pasajes de Noé, la Torre de Babel, Sodoma y Gomorra y el sacrificio de Abraham.
Se trata de una película polémica debido a que su narración no sigue una linea definida estando fragmentada. Así, nos va mostrando alguna pincelada de un personaje, de una historia... Se trata de una película eminentemente visual en la que los diálogos están reducidos al máximo.

Esta desestructuración puede gustar o no.

Otra característica del filme es que en ningún momento intenta describir los pasajes bíblicos de manera real o verosímil, sino que opta por un ambiente metafórico y abstracto que puede disgustar a aquellos que esperen ver una película bíblica dentro del estilo tradicional de la industria

La relativa anarquía narrativa y el ambiente onírico sirven a John Huston para formular lo que ya había formulado con Moby Dick: La crueldad de Diós.

En el aspecto técnico nos encontramos con una utilización de la cámara típica de Huston ( mínima relevancia al movimiento de la misma ) y una fotografía bastante meritoria. En cuanto a las interpretaciones poco hay que decir del elenco que aparece en pantalla, siendo necesario destacar a Peter O´Toole como ángel exterminador.

Algunos, inexplicablemente (a mi juicio terriblemente equivocados), intentan incardinar esta película dentro del grupo de filmes bíblicos más o menos genéricos o semejantes. No me lo explico: precisamente la característica peculiar de la película es que constituye un punto de vista desmitificador de la Biblia y retrata a un Diós cruel que somete a sus hijos a sangrientas e injustas pruebas. Se trata de una crítica al Diós cruel del antiguo testamento ( tema que gustaba a Huston ).

En mi opinión se trata de una maravillosa película ( artística, arriesgada en comparación con otras del mismo género ) no apta para los que busquen una clásica narración bíblica: el que acceda a esta obra se encontrará con personajes desmitificados y a un Diós cruel, verdaderamente intransigente.

Puntuación: 4/5

02/04/2008 21:33 cineyarte #. Críticas de cine No hay comentarios. Comentar.

Crítica número 19: El Dorado (Howard Hawks, 1967)

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El Dorado
El Dorado es un desenfadado western que ofrece varios de los mejores momentos del cine de Hawks.

John Wayne es un actor espléndido ( un actor a reivindicar definitivamente por los amantes del cine, acabando para siempre con la fama de actor mediocre que merece para muchos ) y en El Dorado da una nueva lección de utilización de la mirada, de presencia en la escena, de construcción creíble de un personaje digno pero rudo muy típico de las películas en las que participó. Robert Mitchum aporta su maravilloso talento para componer al borracho pero noble Sheriff. Jamess Caan y el resto de actores cumplen con creces su cometido.

En concreto hay dos escenas en la parte inicial del filme que son memorables: 1. Toda la escena que acaba con el suicidio del somnoliento muchacho que estaba vigilando en las rocas ( prodigio de sabiduría y economía narrativa ), y 2. La escena en la que Wayne se encuentra sentado en una mesa de un bar y hace acto de presentación el joven que será su aprendiz desde ese momento ( escena con una tensión, con un tempo narrativo inigualable ).
La aparente ligereza de la película puede desviar la atención del espectador: detrás de esta desenfadada película se encuentra el cine de Hawks resumido e mejorado.
Esta película, junto a otras, supusieron el colofón del género. Presentaban vaqueros, heroes del oeste con edades avanzadas y con un entorno que ya no les daba cabida ( eran heroes que no tenían compañía al margen de sus recuerdos y vivían de su fama, de su pasado ).

Suponían, en fin, una revisión matizadora y desmitificadora de la figura tradicional del vaquero como heroe romántico en el cine.
Puntuación: 4,5/5

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02/04/2008 21:35 cineyarte #. Críticas de cine No hay comentarios. Comentar.

Critica número 20: Trapecio ( Carol Reed, 1956)

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Trapecio de Carol Reed
En esta película se refleja la relación entre un veterano trapecista ( Burt Lancaster excepcional, aunque creo que ni él mismo entiende al personaje en la segunda parte de la película ) y un joven ( Tony Curtis, lamentablemente no puedo decir lo mismo que antes ya que, aunque se trata de un buen actor, sus actuaciones en general me parecen carentes de intensidad ) que pretenden lograr ejecutar un salto de endiablada dificultad. Pero una avispada mujer ( G. Lollobrigida ) se interpondrá entre ellos sembrando la discordia...
Pese a que en los primeros instantes llega a ser interesante ( la ambientación circense es un aliciente ), es en el desarrollo del triángulo amoroso entre los protagonistas donde naufraga claramente la película no logrando dejar suficientemente clara la evolución de los personajes en sus interacciones.
La fotografía me parece bastante discreta y el guión no logra instalarnos en ningún momento en ningún momento álgido ( aunque lo intenta ).
Trapecio es una película frustrante y carente de sentido en su parte final pese a algunos elementos iniciales de interés.

Puntuación: 3/5

02/04/2008 21:39 cineyarte #. Críticas de cine No hay comentarios. Comentar.

Presentación y Crítica número 1: Piratas del mar Caribe (Cecil B.DeMille, 1942)

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"Con esta crítica inicio mis artículos sobre cine, en este caso sacada de entre las muchas críticas que he escrito en Filmaffinity.com con el mote de opera 0."
Cecil B. DeMille muestra en Piratas del mar Caribe una historia de amor, celos y tragedia de las que tan bien ilustraba (a modo de un ilustrador, exaltador de la naturaleza y amante de lo exótico, decimonónico o de principios del veinte, como si de una portada de libro de Julio Verne se tratase). Los paisajes marítimos azotados por el viento, los peñascos, el azul del agua y la peligrosa fauna marítima nos son restituídas en una estampa colorista y apasionada.

Algunas pegas enturbian este fantástico entretenimiento, la principal de ellas es que en un determinado momento la trama se rompe y cae en su intensidad cuando el personaje interpretado por Wayne reacciona de manera poco coherente con las expectativas creadas por el propio guión hasta entonces.
Este hecho ciertamente enturbia el resultado final pero no logra apagar el hipnótico atractivo de sus románticas (en su gestación, no me refiero estrictamente a criterios argumentales) escenas y de su, como siempre en un director incomprendido por algunos, matizado y espectacular espectáculo.

Puntuación: 3,5/5

02/04/2008 14:54 cineyarte #. Críticas de cine Hay 1 comentario.

El oeste en el cine

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Desiertos, rocas, poblados, bares, indios, hogueras en la noche, violencia, amistad, grandes cielos azules, diligencias, trenes, pioneros, oro, leyendas, ganado, vaqueros: elementos que definen al cine del oeste o “western”.  En este artículo realizaremos un breve recorrido por su historia y películas. 

 

El cine nació de manera oficial el 28 de diciembre de 1895 cuando los hermanos  Lumière enseñaron pequeños fragmentos de grabaciones a los espectadores del “Salon Indien” de París. Se trataba de escenas cotidianas, no muy alejadas temáticamente de lo que se podía observar en pinturas o fotografías, la diferencia era el movimiento. Uno de los primeros géneros temáticos en surgir en ese incipiente arte fue el del oeste.

  Nacimiento: relatos realistas  

El cine del  oeste surgió como reflejo documental de una época histórica. Cuando se rodó la primera película del género (Asalto y robo de un tren, Edwin S. Porter, 1903) todavía existían cowboys reales y las hazañas de seres legendarios como Wyatt Earp (agente de la ley conocido por su mano dura contra los que infringían la ley y por su intervención en el famoso duelo en O.K Corral), el General Custer o Búfalo Hill aún estaban recientes en la memoria de la población. El western era pues un género de actualidad y giraba en torno a la acción ( tiroteos, búsqueda de oro, ganado…).

 

Las primeras  películas causaron euforia y agradaron al público. Los argumentos mínimos, el realismo y la preponderancia de la acción las hacían un entretenimiento de primer nivel que además trataba temas muy americanos.

  Crisis, desarrollo y declive final 

Cuando los primeros años pasaron el público y las productoras dejaron de confiar en el género, relegándolo a producciones de bajo presupuesto, con malos guiones y actores. Las películas del oeste ya no eran interesantes, se habían quedado anticuadas pues se ceñían a una época muy concreta que poco a poco se estaba alejando. Era necesario dotar al género de historias universales, atemporales, ficticias, novedosas.

 

En 1939 el género resucitó y volvió a estar de actualidad gracias al éxito de dos obras clave de dos de los directores más importantes de la historia del cine americano: “La diligencia” de John Ford, la cual lanzó definitivamente al estrellato a John Wayne, y “Dodge City, ciudad sin ley” de Michael Curtiz, con radiantes imágenes a todo color y el debut de Errol Flinn en este tipo de películas.    

  

   A partir de este año el western se erigió como el género americano por excelencia, se trataba de un tipo de películas ambientadas en una época histórica ya pretérita que se iba mitificando paulatinamente. El western era el equivalente temático a la edad media europea o a  la época feudal japonesa.

Poco a poco los argumentos se fueron sobrecargando de personajes muy bien delimitados psicológicamente, de drama, de escenas de reprimida sexualidad, de paisajes en todo su esplendor, de historias de amor universales. El género iba madurando, enriqueciendo su universo: en las décadas de los cuarenta  y de los cincuenta  aparecían westerns desenfadados, violentos, naturalistas, románticos, melodramáticos, tragedias griegas ambientadas en el oeste, westerns musicales…

 

El desarrollo temático de las películas del oeste propició que surgieran en las siguientes décadas  películas críticas, que desmitificaban figuras que habían constituido el núcleo de este tipo de cine en el pasado y que de paso criticaban duramente el tradicionalismo social americano. El género había perdido su inocencia, el clima crítico generado por la guerra de Vietnam  y sus posteriores efectos políticos hicieron que se criticara a las películas con esta temática y se vieran como restos acartonados del pasado.

Desde finales de los setenta a nuestros días sólo contadas películas han vuelto a mostrarnos el oeste. A pesar de ello el género no ha muerto para el público: cada día millones de espectadores ven La diligencia, Centauros del desierto, Raíces profundas o Murieron con las botas puestas.

 

02/04/2008 17:12 cineyarte #. Artículos sobre cine No hay comentarios. Comentar.

Mis preferencias en el cine

Me gusta el cine serio pero a la vez entretenido, profundo, sugestivo, plásticamente trabajado, narratívamente sutil, poco explícito y  maduro, imaginativo, nágico, hecho con pasión...

 Para ilustrar esto les mostraré mis 20 filmes preferidos en este momento. Naturalmente, hay decenas de títulos maravillosos que no incluiré ya que este tipo de listas obligan a un ejercicio reduccionista y sintético.

 

Top 20

1- DUELO AL SOL (KING VIDOR)

2- LOS VIOLENTOS AÑOS 20 (RAOUL WALSH)

3- LA MUJER DEL CUADRO (FRITZ LANG)

4- VÉRTIGO (ALFRED HITCHKOCK)

5- DERSU UZALA (A.KUROSAWA)

6- LOS SIETE SAMURÁIS (A.KUROSAWA)

7- TIERRAS LEJANAS (ANTHONY MANN)

8- EL HOMBRE QUE MATÓ A LIBERTY VALANCE (JOHN FORD)

9- CENTAUROS DEL DESIERTO (JOHN FORD)

10- LA MUJER PANTERA (JACQUES TOURNEUR)

11- EL HOMBRE Y EL MONSTRUO (ROUBEN MAMOULIAN)

12- SANGRE Y ARENA (ROUBEN MAMOULIAN)

13- MURIERON CON LAS BOTAS PUESTAS (RAOUL WALSH)

14- CLEOPATRA (J. L. MANKIEWICZ)

15- TRONO DE SANGRE (A.KUROSAWA)

16- ESPARTACO (STANLEY KUBRICK)

17- LOS VIKINGOS (RICHARD FLEISHER)

18- ESTRELLAS EN MI CORONA (JACQUES TOURNEUR)

19- QUE VERDE ERA MI VALLE (JOHN FORD)

20- EL TESORO DE SIERRA MADRE (JOHN HUSTON)

Continuaré con mis dos géneros predilectos, típicamente americanos pero a menudo realizados por artistas europeos (Lang, Siodmak, Tourneur...):

 

Top 10 western: los 10 sueños del oeste

 

1. DUELO AL SOL (KING VIDOR)

2. CENTAUROS DEL DESIERTO (JOHN FORD)

3. EL HOMBRE QUE MATÓ A LIBERTY VALANCE (JOHN FORD)

4. 40 PISTOLAS (SAMUEL FULLER)

5. TIERRAS LEJANAS (ANTHONY MANN)

6. LA DILIGENCIA (JOHN FORD)

7. JOHNNY GUITAR (NICHOLAS RAY)

8. CIELO AMARILLO (WILLIAM A. WELLMAN)

9. EL HOMBRE DE LARAMIE (ANTHONY MANN)

10. HORIZONTES DE GRANDEZA (WILLIAM WYLLER)

 

Top 10 cine negro

 

1. Los violentos años veinte (RAOUL WALSH) 

2. El abrazo de la muerte ( ROBERT SIODMAK)

3. La jungla de asfalto (JOHN HUSTON)

4. Laura (OTTO PREMINGER)

5. Retorno al pasado (JACQUES TOURNEUR)

6. La mujer del cuadro (FRITZ LANG) 

7. En un lugar solitario (NICHOLAS RAY)

8. La casa en la sombra (NICHOLAS RAY)

9. Perdición (BILLY WILDER)

10. Perversidad (FRITZ LANG)

 

Estas son hasta el momento las listas que pongo a disposición de los lectores esperando que disculpen por tal ejercicio de reduccionismo juguetón y totalmente subjetivo.

02/04/2008 17:40 cineyarte #. Artículos sobre cine No hay comentarios. Comentar.

Crítica número 2: Río Rojo (Howard Hawks, 1948)

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El viaje mítico de Howard Hawks.
Río Rojo nos sumerge en un viaje por la supervivencia, un viaje primitivo de pioneros que pretenden vender unas reses para obtener réditos, animales que algunas poblaciones necesitan para alimentarse. Nos trasladamos así a un mundo virgen en el que la civilización no ha llegado, en el que rigen criterios morales personales, en el que el ferrocarril intenta abrirse paso para modernizarlo.
Nos encontramos en tierras en las que resultan capitales elementos básicos como la amistad, el matrimonio y la necesidad de descendencia, el esfuerzo, la importancia directa de la naturaleza (ríos en los que el agua corre portando vida, praderas que alimentan a las reses, tierra que genera riqueza) en nuestra subsistencia.

Howard Hawks realiza en Río Rojo un filme perfecto en el que cada escena posee su justo grado de intensidad (la acción rápida e intensa, el amor sugerido y fugaz debido a las necesidades básicas, la amistad, el trabajo y el descanso nocturno en escenas pausadas, todo ello con el duro paisaje de fondo contribuyendo al dramatismo de la trama) y en el que se observan aciertos en todos los apartados: elementos dramáticos, de suspense, románticos y cómicos reunidos en una sola odisea, actuaciones excepcionales, fotografía sublime (en especial en las escenas nocturnas), banda sonora de Tiomkin que surge de la inmensidad de las llanuras con naturalidad, guión rico, conciso y redondo...
Río Rojo es una muestra de cine pleno que demuestra como explicar cualquier tema que venga a nuestra mente sin resultar grandilocuente, todo lo contrario, situéndolo bajo la simple apariencia de un viaje (situación que ha sido aprovechada desde Homero hasta hoy para narrar las más grandes historias, incluyendo al propio director, el cual realizó a mi juicio otra obra maestra con Río de sangre) en el oeste. Río Rojo no es un western, no es una película común, en ella no se observa técnica cinematográfica, es algo más, es una odisea humana inmortal.
Puntuación: 5/5
02/04/2008 20:27 cineyarte #. Críticas de cine No hay comentarios. Comentar.

Crítica número 3: Aguas pantanosas (Jean Renoir, 1941)

Jean Renoir y la naturaleza pedida.
Aguas pantanosas narra la historia de un hombre condenado a muerte injustamente que ha huído de la justicia y se ha refugiado en un peligroso pantano cercano.

Dicho fugitivo personaje contrae amistad con un joven del pueblo cercano al pantano. Lugar que aparece como el paraíso perdido, en el que el orden establecido funciona sin fallos. La supervivencia es una ley justa, no hace excepciones.
En cambio, en el pueblo cercano, se condena a hombres injustamente, existen prejuicios, odio, mentiras y crímenes.
La dificultad de acceso hace que el pantano se erija como muralla infranqueable para la civilización. El fugitivo conserva, al conocer al joven con el que contrae una amistad paterno-filial, esperanzas en la bondad de algunos humanos de ese mundo civilizado que tan injusto ha sido con él.
Se nos muestra así una reflexión sobre la inocencia perdida, sobre la artificialidad de la vida civilizada y sobre la vida en la naturaleza.

Aguas pantanosas muestra este telón de fondo (dicotomía entre naturaleza como paraíso de inocencia perdida y civilización generadora de mayores peligros que los naturales), pero es también un filme de aventuras de bellísima factura, de insinuaciones fugaces que enriquecen su planteamiento, dotado de dosis de embriagadora sugestividad proporcionadas por su autor Jean Renoir (El cual, de manera magistral, utiliza los escenarios plástica y dramáticamente) y profundamente lírico, poseedor de una belleza poética que sobrepasa el mero lenguaje cinematográfico.

Filme sintético, embriagador, de una riqueza inesperada, dotado del raro secreto de la serenidad narrativa, Aguas pantanosas permanece como un mundo virgen para los espectadores.
Puntuación: 5/5
02/04/2008 20:35 cineyarte #. Críticas de cine No hay comentarios. Comentar.

Críticanúmero 4: El beso mortal (Robert Aldrich, 1955)

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Frustrante y absurdo engendro argumental con cierto atractivo visual.
El beso mortal, filme negro dirigido por el gran cineasta Robert Aldrich (La venganza de Ulzana, Apache, El último atardecer...), posee una gran factura visual que crea una ambientación oscura, confusa y envilecida. Desgraciadamente ésta es su única virtud, ya que el guión es horroroso, absurdo, mal construído, incoherente, extremadamente débil. Lo mismo ocurre con los diálogos, intensamente mediocres, y con las actuaciones, bastante neutras y poco expresivas (aunque es necesario excusarles ya que, con toda seguridad, los propios actores no debían entender con exactitud lo que se les pedía).
A pesar del estimable intento del director de disimular tanta mediocridad vistiéndolo de ejercicio de originalidad visual, El beso mortal resta como un filme con gravísimos defectos de construcción dramática sólo apreciable como ejercicio de estilo.
Puntuación: 2/5
02/04/2008 20:37 cineyarte #. Críticas de cine No hay comentarios. Comentar.

Crítica número 5: La gardenia azul (Fritz Lang, 1953)

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Maravilloso descubrimiento.
Curiosidad: "Este filme me dió la idea para el logotipo de Cineyarte."  
La Gardenia azul es un filme redondo desde el punto de vista dramático. Muy detallista, poseedora de un magnífico ritmo, nos muestra diversos registros (drama, romance, humor, intriga) y excepcionales actuaciones. Su milimétrica progresión culmina con la desgarradora escena final acompañada de la sublime música de Richard Wagner (VER VERSIÓN ORIGINAL) que compuso para la ópera Tristán e Isolda, música de desesperado amor que resulta muy adecuada a la situación.
Aquellos que siguen afirmando que La Gardenia azul es una película menor dentro de la carrera de Fritz Lang están a mi juicio equivocados, ya que por ejemplo La mujer del cuadro posee ciertas semejanzas con aquella (hehos acaecidos cuando un personaje está sumido en un estado alterado, investigación, conversión de una vida normal en una pesadilla debido a una situación fortuíta, acoso policial, sensación final de redención).
Les recomiendo que no hagan tanto caso de las teorías de los historiadores cinematográficos y analicen esta obra sin prejuicios. Mientras tanto algunos disfrutaremos una y otra vez de esta sublime, perfecta obra maestra de inesperada sugestividad.

 

Puntuación: 5/5

02/04/2008 20:49 cineyarte #. Críticas de cine No hay comentarios. Comentar.

Crítica número 6: Ran (Akira Kurosawa, 1985)

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Kurosawa cada vez más abstracto.
Ran es un maravilloso lienzo colorista en el que el vigor del cine de Kurosawa brilla con intensidad, pero de manera fugaz. Ran es demasiado abstracta, imprecisa argumentalmente, estática.

Su mayor virtud es a la vez su mayor defecto, su eléctrico esteticismo resulta superficial. Ran es una película que intenta ser poética, metafísica, pero resulta fría, vacía, sin tensión dramática y con personajes postizos.

En su última etapa el maestro volvió a sus incios como estudiante de bellas artes. Tal es su pasión por el color, por las formas y por la expresión metafísica de la imagen que en este caso olvida ciertos aspectos del arte cinemqatográfico que tan bien dominó en otras obras (Trono de sangre, Los siete samurais, Dersú Uzala, Barbarroja).

Puntuación: 3/5

02/04/2008 20:53 cineyarte #. Críticas de cine No hay comentarios. Comentar.

El maravilloso arte de la ópera: drama, emoción y sensibilidad artística.

20080403135002-images1.jpg“Primer artículo sobre ópera”  

La ópera es un arte completísimo que nos permite disfrutar de un espectáculo escénico y musical de primer nivel. El valor dramático, romántico e incluso cómico, la creación de ambientes y matices que fueron capaces de dar a luz los grandes compositores se unen en algunos casos a la inspiración de grandiosos artistas con pleno dominio de su temperamento e  instrumento.

 

Sirva para bautizar mis artículos sobre ópera (hasta ahora sólo había publicado artículos y críticas sobre cine) ésta apasionante declaración subjetiva de mis preferencias, de mis intérpretes preferidos en sus roles. Naturalmente, igual que sucedía en las listas sobre cine, un ejercicio reduccionista como éste corre el peligro de simplificar. Me arriesgo entonces:  

 INTERPRETACIONES ESTELARES  

Alfredo Kraus

 
  • I Puritani de Bellini
  • La Favorita de Donizetti
  • La fille du regiment de Donizetti
  • Lucia di Lammermoor de Donizetti
  • Werther de Massenet
  • Manon de Massenet
  • Los pescadores de perlas de Bizet (la mejor interpretación en mi opinión del difícil rol de Nadir, aunque muchos reivindican a Gedda)
  • Fausto, Romeo y Julieta de Gounod
  • Los cuentos de Hoffman de Offenbach

  

María  Callas 

  • Tosca de Puccini
  • Madama Butterfly de Puccini
  • La Traviata de Verdi
  • La forza del destino de Verdi
  • Aida de Verdi
  • Lucia di Lammermoor de Donizetti
 

Piero Cappuccilli

 
  • Andrea Chenier de Giordano
  • Otello de Verdi
  • Simon Boccanegra de Verdi
  • Un ballo in maschera de Verdi
  • I pagliacci de Leoncavallo
 

Beverly Sills

 
  • Thaïs de Massenet
 

Giuseppe di Stefano

 
  • Andrea Chenier de Giordano
  • Tosca (evidentemente  con Callas) de Puccini
  • Madama Butterffly de Puccini (versión con Victoria de los ángeles)
  • Caballería Rusticana de Mascagni (versión sublime con Callas)
  • I pagliacci de Leoncavallo
 

Montserrat Caballé

 
  • Louise de Charpentier (deliciosa aria  Depuis le tour…)
  • Salomé de Strauss
  • Don Carlo de Verdi (preferentemente junto a un luminoso Jaime Aragall)
  • I puritani de Bellini

Jaime Aragall 

  • La boheme de Puccini
  • Tosca de Puccini
  • Don Carlo de Verdi
 

José Carreras

 
  • La forza del destino de Verdi
  • I lombardi (Jerusalem) de Verdi
  • Don Carlo de Verdi
  • Tosca de Puccini
  • Andrea Chenier de Giordano (magistral grabación en vivo junto a Cappuccilli y Eva Marton en la Scala di Milano)
  • Manon Lescaut de Puccini
  • Carmen de Bizet
  • Sanson y Dalila de C. Saînt Saens
  

Tito Schipa

 
  • Don pasquale (aunque interpretaba en general a la perfección las obras de Donizetti), Il barbiere di Siviglia de Rossini, L´ Amico Fritz de Mascagni, Cavallería Rusticana del mismo autor (en especial su entrada, terriblemente bellas frases iniciales).
 

Mario del Mónaco

 
  • Otello (gran interpretación y voz para el personaje) de Verdi
  • I pagliacci (anormal expresividad del tenor en este rol) de Leoncavallo
  • Aida de  Verdi (junto a Maria Callas)
 

Giacomo Lauri Volpi

 
  • I puritani de Leoncavallo
  • Caballería rusticana de Mascagni
 

Luciano Pavarotti

 
  • Rigoletto, La traviata, MacBeth, Luis Millar, Aida, Un ballo in maschera e Il trovatore de Verdi.
  • La hija del regimiento, L´elisir d´amore y Lucia di Lammermoor de Donizetti.
  • Madama Buttefly y La óveme de Puccini
  • Guillermo Tell de Rossini
 

Joan Sutherland

 
  • Los cuentos de Hoffman de Offenbach
  • L´elisi d´amore y Lucia di Lammermoor de Donizetti
  • Otello de Verdi (buen rol de Desdemona)
 

Edita Gruberova

 
  • I puritani de Bellini (excepcional interpretación que tuve la fortuna de ver y escuchar en el Liceo de Barcelona después de su nueva apertura)
  • Ariadna auf Naxos (igual que el comentario anterior)
  • La hija del regimiento de Donizetti
  

 Éstas son algunas. Con el tiempo ya iré ampliando (hay cientos de interpretaciones más, dignas de ser reseñadas) el listado. Además entraré a valorar en concreto algunas obras e interpretes en mis críticas sobre ópera…   

 

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03/04/2008 13:50 cineyarte #. Artículos sobre ópera No hay comentarios. Comentar.

Crítica número 21: Calle sin salida ( William Wyler, 1937)

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El pasado y el presente de la miseria
Unos chicos juegan en una mísera calle de Nueva York. Son chicos callejeros, sólo conocen la pobreza y la supervivencia, son pequeños delincuentes en ciernes. A esa calle llega un señor de mediana edad que también fue un chico de esos, ha acabado siendo un asesino y viene a visitar a su madre...

El pasado y el presente de una serie de personajes se nos muestra en todo momento mediante paralelismos. Observamos a unos niños que se están envileciendo en las calles y al mismo tiempo vemos a un personaje que en el pasado fue como ellos. También observamos edificios lujosos al lado de otros absolutamente ruinosos.
Se trata de una verdadera calle sin salida en la que la juventud es desperdiciada y la pobreza no deja acceder a mejores posiciones sociales. La delincuencia es el modo más fácil de ganarse la vida. Poco a poco los valores se dejan de lado, la supervivencia manda y la vida de las familias se destruye. El reformatorio infantil es el primer paso en la degradación moral de los jóvenes, después vendrá la cárcel... El argumento de la película funciona como un juego de espejos que nos muestra una metáfora escénica sobre la juventud, la sociedad de clases, la educación y la reinserción.

Pese a que Humphrey Bogart no es el claramente el protagonista, realiza claramente la mejor interpretación de la obra. Una interpretación llena de matices y sugestiva, intensa. La fotografía es excelente.

Se trata de un filme aparentemente estático (al desarrollarse en un sólo escenario) pero realmente dinámico, con un desarrollo riquísimo, que evoluciona suave pero constantemente hasta alcanzar el punto culminante final. Varios personajes perfectamente dibujados desarrollan su vida cotidiana en escenas llenas de matices.
Filme naturalista, de perfecta factura, posee el secreto clásico de ser simple a la vez que complejo sin dejar de entretener, de ser serio, trascendente a la par que informal, poseyendo así varios niveles de lectura.
Puntuación: 5/5 
04/04/2008 13:00 cineyarte #. Críticas de cine No hay comentarios. Comentar.

Crítica número 22: La pasión de los fuertes (John Ford, 1946)

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Pieza delicada
Un hombre llega a un pueblo en el que un clan comete todo tipo de fechorías. Él intentará solucionarlas y conocerá a un extraño personaje que se dedica a la medicina... 
Creyendo que no es necesario explicar más el argumento de este filme puesto que es algo que pueden consultar en cualquier publicación, paso a mis observaciones:

Esta es a mi juicio la pieza más delicada de John Ford, en ella el director nos muestra con una sobriedad abrumadora drama ( bellísima, magistral muerte del hermano bajo la lluvia ), amor ( sutilidad en las escenas en las que Fonda se va enamorando en Clementine ) , odio ( algunas miradas de Mature, la mirada despiadada y abstraída de Brennan ) y la belleza más deslumbrante ( ya sea física: la descripción del paisaje, con una representación del polvo del desierto remarcable, o intelectual: el magistral pregón del poeta borracho confrontado con la zafiedad de los Clanton ).

Esa sobriedad, esa contención ( en la representación de las emociones ) que se observa a lo largo de la película dota a la misma de una delicadeza y perfección a mi juicio pocas veces igualada: Ford no recurre a espectaculares planos, efectismo y música épica en el duelo final, Ford no recurre a la simplificación en el proceso de conocimiento y atracción entre Earp y Clementine, Ford, en la ecena de la muerte del chico, no nos muestra las caras de los Earp ni ninguna voz, sólo la lluvia, antes de que muera Chihuahua sólo se nos muestra su dulce sonrisa...

La delicadeza con la que Ford trata cada tema abordado en el filme es digna de ser aplaudida. Pasión de los fuertes es ami juicio una obra maestra y un ejemplo de como una historia puede ser engrandecida por el talento de un director.

 

Puntuación: 5/5

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04/04/2008 13:04 cineyarte #. Críticas de cine No hay comentarios. Comentar.

Crítica número 23: Los amantes de la noche (Nicholas Ray,1949)

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Los amantes de la noche versa en torno a un preso que escapa de la prisión y que, para demostrar su teórica inocencia, comete más crímenes (¿?)... Se enamora de una chica que vive en una familia desestructurada, como él. Juntos, unidos frente al destino trágico que sin duda les espera, intentan ser felices.

Creo que ya es hora de que alguien intente romper convenciones absurdas: ¿Por que se critica a determinados autores americanos por su pretendido mensaje militarista, derechista o conservador...? ¿Acaso Nicholas Ray (autor que es objeto de mis pasiones cinematográficas, que no necesariamente ideológicas) en esta película y en otras no extiende su manto idelógico de manera clara y reiterativa afirmando constantemente que la culpa de la delincuencia es de la sociedad, tan malvada?¿Eso es un mensaje progresista o es un mensaje retórico y relativista?¿A alguien le gustaría sufrir los crímenes de estos seres "inocentes" no debidamente presentados a la sociedad?

Creo que si algunos catalogan a DeMille, incluso a Ford de conservadores, de fascistas incluso, es justo que reconozcan, en coherencia con sus principios de crítica ideológica, que Ray hace lo mismo. Los amantes de la noche es una exposición ideológica, panfleto descarado a favor de la comprensión de los delincuentes, con evidentes virtudes cinematográficas (convincente tensión, ritmo electrizante durante todo el desarrollo, buena ejecución técnica, magnífica interpretación de la protagonista).

Si observan ustedes otras críticas que he escrito con anterioridad, no soy partidario de las críticas ideológicas. Pero observo como algunos autores reciben críticas y otros no, cuando tienen un mensaje relativista de fondo como mínimo igual de discutible.

Filme romántico, con buen ritmo y buenas interpretaciones, Los amantes de la noche es una notable película que constituye la pieza maestra de su autor en cuanto a la exposición de su ideología, pero no en cuanto a su carrera cinematográfica. La cual tendría exponentes más ricos en filmes como Johnny Guitar, En un lugar solitario o La casa en la sombra, por poner algunos ejemplos.

Nota importante: Prefiero Sólo se vive una vez, del maestro Fritz Lang, realizada una década anterior con palnteamientos más convincentes e imágenes de muchísima más fuerza.
Puntuación: 4/5

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06/04/2008 14:16 cineyarte #. Críticas de cine No hay comentarios. Comentar.

Crítica número 24: La extraña mujer (Edgar G. Ulmer, 1946)

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La extraña mujer parte de un genérico argumento: una mujer pobre, pero bella, utiliza sus encantos para conseguir escalar posiciones en la sociedad...

No obstante aquí, en el planteamiento inicial, acaba lo genérico. El desarrollo de La extraña mujer es arriesgado, poético, de concepción romántica, aturdidor y finalmente fascinante.
Un actor que sube la escalera, un predicador, un estanque, una cabaña en medio de la tormenta, una mujer ensangrentada entre las hierbas...

Admito la crítica de que los filmes de Ulmer pueden ser irregulares. Es más, los filmes de Ulmer son irregulares de base. Tal irregularidad forma parte del crispado y apasionado concepto de creación de su autor. Ese es el precio de la creación, de la verdadera narración cinematográfica. El director no debe mostrar una historia escrita por un guionista, debe hacerla suya y utilizar el medio cinematográfico para crear atmósferas e impresiones, elementos subjetivos que se escapan del texto y sólo pueden ser transmitidos mediante el uso de la imagen.

Edgar G. Ulmer es un autor similar a Tourneur pero aún más personal (véase Satanás y Detour del mismo autor). No importa el presupuesto de una producción. La capacidad artística no tiene por qué medirse en términos económicos. Lo que importa es el resultado, y La extraña mujer es un espléndido y apasionante resultado.

Puntuación: 5/5

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07/04/2008 10:57 cineyarte #. Críticas de cine Hay 1 comentario.

Crítica número 25: Qué verde era mia valle (John Ford, 1941)

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De manera concisa espero expresar lo que pienso e insto a aquellos que no la hayan podido visionar a que lo hagan con urgencia:

La fotografía es prodigiosa, realmente fantástica, la banda sonora es excelente, el guión es óptimo... Pero hay algo intangible que la convierte en una de las mejores películas de la historia: en esta película encontraremos una nostálgica narración que ensalza los valores del esfuerzo, la familia, el amor y la ilusión.
El trazo realizado por John Ford es definitivamente mayestático y describe las esencias de la vida en esta joya del año 1941 que perdurará nostálgicamente en nuestras mentes ( de manera idéntica a lo que le ocurre al narrador en la película ).

Sólo hace falta una escena para ilustrar la valía de esta prodigiosa obra: la despedida de los hermanos que han expresado su intención de emigrar a América en busca de oprtunidades y su posterior partida por una callejón oscuro y húmedo dirigiéndose a la oscuridad de la que no saldrán jamás: pasarán de ser queridos en su pequeño y acogedor valle a ser olvidados, perdiéndose para siempre en la masificación de las metrópolis industrializadas: aquí se halla la mejor descripción del advenimiento de la sociedad moderna jamás filmada.
Puntuación: 5/5

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07/04/2008 11:27 cineyarte #. Críticas de cine No hay comentarios. Comentar.

Crítica número 26: Domador de sirenas (Irving Pichel, 1948)

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Un hombre, que está a punto de cumplir los cincuenta años, va con su mujer de vacaciones al caribe. Escucha una canción que parece provenir de una isla lejana. Se acerca con su barca y descubre que se trata de una bellísima sirena. Entre ellos surge una exótica historia de amor, que probablemente les traerá algún problema...

Filme bastante modesto, Domador de sirenas plantea mediante su gracioso argumento una metáfora (superficial, claro está) de las ansias de libertad de los hombres, de sus fantasías sexuales y de la crisis existencial provocada por la edad.
Mediante su tono cómico, algunas veces realmente chistoso por su falsa apariencia de ingenuidad, plantea una trama imaginativa que deja al espectador algunas imágenes para el recuerdo (las escenas marítimas en las que la sirena nada, las graciosas escenas del personaje al que le impiden fumar y arde en deseos de hacerlo).

Ciertamente, Irving Pichel no demuestra demasiada pericia en la composición de los encuadres, en la dirección de actores o en la utilización de los diferentes recursos cinematográficos, pero sí cabe reconocerle que realiza un correcto trabajo ( a excepción de ciertos cortes bruscos entre una escena y otra) y dota a la película de un tono ligero, gracioso y directo. Además él, junto al guionista y productor, saben dotar de más contenido a la obra de lo que parece a priori planteando críticas jocosas a los médicos, a la policía o a la represión en el matrimonio.

Carismática, principalmente por su premisa argumental, Domador de sirenas es un entretenimiento de calidad. De bastante más calidad que otras comedias con más nombre.

 

Puntuación: 2/5

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08/04/2008 09:56 cineyarte #. Críticas de cine No hay comentarios. Comentar.

Crítica número 27: ¿Pero, quién mató a Harry? (Alfred Hitchcock, 1956)

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Narra una disparatada jornada en la que una serie de personas, por distintos motivos, reaccionan de maneras sorprendentes ante la aparición de un muerto en el bosque.

Recomiendo a algunos lectores de El cine según Hitchcock de F.Truffaut que juzguen la obra del autor sin estar condicionados por las teorías que en él se vierten. Es necesario que recuperen su capacidad crítica. No todo está justficado. Pero...¿Quién mató a Harry? es una obra extraña y digna de estudio dentro de la filmografía de su autor, pero se beneficia de la fama y mitilogía formada en torno al mismo.

 

Puntuación 2,5/5

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09/04/2008 09:39 cineyarte #. Críticas de cine No hay comentarios. Comentar.

Crítica número 28: Lawrence de Arabia (David Lean, 1962)

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Lawrence de Arabia es una película colosal que da una lección a aquellos que identifican cine de gran presupuesto con baja calidad o superficialidad.

El cine de la actualidad es insufrible, pueril, superficial, chorra, prefabricado, de bajo calado intelectual y emocional... Incluídas las películas europeas de bajo presupuesto y el denominado cine independiente o cine que está fuera de círculos comerciales: no sé que es peor, si el cine desastroso en todos los sentidos antes descrito o el mismo cine pero con pretensiones.

El cine es fantasía más o menos verosímil ( hoy se empeñan algunos en creer que hacer buen cine es mostrar la realidad en su manera más cruda y descarnada: eso no es cine, el cine es ficción, para ver la realidad no es necesario ir al cine: esta corriente es fruto de cineastas limitados que no son capaces de aportar un enfoque original a sus historias ni de dotarlas de eficacia universal ) y dentro de esta fantasía que es el cine se encuentral Lawrence cabalgando por las dunas de Arabia, jefes de tribus autóctonas en una guerra fraticida, conspiraciones políticas, hombres íntegros, violencia desenfrenada y sobre todo el romanticismo intangible del desierto, la belleza más paradójica jamás filmada.

La escena de la cerilla fusionándose con el esplendor del sol, la loca matanza indiscriminada de prisioneros, el interrogatorio del reprimido oficial turco, la luz somnolienta del sol, los camellos transitando por la lejanía o la toma de Akabah ( escena increíblemente bien planificada, es una muestra de simplicidad y elegancia ) son muestras de la maestría de David Lean, excepcional realizador que llegaría pletórico a su retirada provisional con la Hija de Ryan de 1970, en parte forzada por algunos mequetrefes insoportables que no le concedían el derecho a crear nada después de Breve encuentro.

 

Puntuación: 5/5

09/04/2008 09:42 cineyarte #. Críticas de cine No hay comentarios. Comentar.

Crítica número 29: Las zapatillas rojas (Michael Powell y E.Pressburguer, 1948)

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Un estudiante acude a una representación de ballet y observa como su obra ha sido plagiada, al mismo tiempo una primeriza bailarina intenta lograr que un magnate del ballet le preste atención. Tanto uno como otro lograrán lo que deseaban pero, al igual que en la historia de las zapatillas rojas,todo triunfo conlleva sacrificios...

Michael Powell y Emeric Pressburger nos muestran en su obra definitiva el éxtasis del arte, el momento de la creación artística como momento mágico e igualmente misterioso, como momento fugaz de nacimiento y muerte, de liberación espiritual. Nos muestran momentos de catarsis artística, momentos de máximo disfrute sensorial del arte en el que se se funden todas las artes

También nos presentan una reflexión sobre la ficción y, como haría también Lola Montes de Ophuls, su relación o confusión con lo real. El poder de abstracción del ser humano que puede llegar a crear bellísimas obras o puede llegar a resultar autodestructivo.

Obra maestra de fotografía pictórica y arrebatado cromatismo, ritmo irregular, ambiente onírico e intensa música.

 

Puntuación: 5/5

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09/04/2008 09:46 cineyarte #. Críticas de cine No hay comentarios. Comentar.

Crítica número 30: Un lugar en el sol (George Stevens, 1951)

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Un joven americano sale de su hogar para prosperar ya que proviene de una familia muy humilde que se dedica a ayudar al prójimo sin ánimo de lucro. Está dispuesto a todo: su tío le da un trabajo en la cadena de montaje de su fábrica y allí mantiene relaciones con una simpática chica sin aspiraciones.
Él teme la pobreza, el acomodamiento, la fealdad, el sufrimiento que ha visto desde su infancia... Poco a poco va ganándose la confianza de su tío, el cual piensa en ascenderle. Conoce a una chica que representa todo lo contrario que la anterior: bellísima y acomodada, Ángela y él se profesan un sincero amor.
El personaje de Montgomery Clift en Un lugar en el sol es magistral: ángel o demonio, ser inocente o calculador, personaje que sale de las alcantarillas de la sociedad y es víctima del destino por querer acceder a una vida mejor o mequetrefe sin personalidad que engaña en sus desmedidas ambiciones... La riqueza del personaje es maravillosa.
Elizabeth Taylor es con 17 años una ninfa bellísima con un rostro angelical y fotogénico que además realiza una actuación magistral. La banda sonora de Franz Waxman ensalza la pasión que el protagonista siente por Liz Taylor con una melodía de obsesivo romanticismo. La fotografía es sobresaliente.
El director, mediante una utilización pausada del tempo, nos muestra una naturalista narración llena de detalles, bellísima, precisa, siendo un acierto la duda que crea en torno a los sucesos finales y el dibujo nada maniqueo de los personajes principales. Poco a poco, escena a escena se dibuja un universo de humanismo mágico estilizadamente americano.

 

Puntuación: 5/5

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09/04/2008 09:55 cineyarte #. Críticas de cine No hay comentarios. Comentar.

Crítica número 31: Obsesión ( Douglas Sirk, 1954)

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(Se basa en la misma historia que el filme "Sublime obsesión", realizado en 1935 por el distinguido autor de melodramas  John M. Stahl.)
Un desaprensivo multimillonario se verá envuelto en una serie de sucesos que cambiarán su carácter y su manera de concebir la vida: un nuevo espíritu humanístico le tranformará de manera irrevocable...

Obra absolutamente refinada y depurada de Sirk: una historia melodramática que podría parecer inicialmente tópica se transforma milagrosamente en una muestra de arte refinado, elegante, de dominio narrativo, de sabiduría en la utilización del color, del vestuario, del encuadre y de elección de escenarios...

Algunos alegarán que se trata de una película demasiado blanda y poco creíble: aquellos que no sepan captar el maravilloso mensaje humanista elegantemente expuesto son los mismos que en su día tacharon a las delicadas óperas de Massenet ( Thaïs, Werther, Manon, Esclarmonde...) de simple entretenimiento de acomodados, ignorando las excepcionales cualidades artísticas que residían en ellas...

Puntuación: 5/5

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09/04/2008 11:15 cineyarte #. Críticas de cine No hay comentarios. Comentar.

Crítica número 32: Arma de dos filos (Samuel Fuller, 1969)

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Arma de dos filos puede ser vista como una película inconexa, chapucera, sin interés argumental, cuyo único interés reside en la presencia de tiburones...

En realidad (pocos la han visto) se trata de un relato en clave de cine negro (corrupción, personajes con dudosas intenciones, codicia, policía, contrabando) situado en enclaves exóticos que narra la historia de un traficante de armas que llega a un pueblo y sospecha de un hombre y una mujer que utilizan un barco para hacer incursiones marítimas bajo la amenaza de los tiburones. ¿cual será el objeto de esas incursiones?¿que esconderán?...

La trama avanza de manera aparentemente desordenada (tal confusión la produce el personalísimo estilo de Fuller). Sólo aparentemente, ya que una vez finalizada Arma de dos filos queda como una historia de espíritu aventurero, madura, exuberante, elaborada mediante extraños encuadres, realizada con ritmo, repleta de detalles, de desarrollo y desenlace muy satisfactorios, creando un universo de violencia contenida, misterio.

He leído que éste filme precede a la posterior Tiburón. Nada más lejos de la realidad. Mientras Arma de dos filos se centra en una historia sugerida, sugestiva, extraña en la que los tiburones juegan un papel exótico y amenazador, Tiburón es una historia de suspense adolescente de pocos matices.

Arma de dos filos es una magnífica y extrañísima aventura en parajes bañados por la cegadora luz del sol que supondrá un descubrimiento para los amantes del cine apasionado de Fuller.

 

Puntuación: 4/5

10/04/2008 09:42 cineyarte #. Críticas de cine No hay comentarios. Comentar.

Crítica número 33: Duelo al sol (King Vidor, 1946)

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Pasión
La pasión desenfrenada cobra forma pocas veces en el cine: en Duelo al Sol cada uno de los elementos que la componen está dotado de fuerza, de energía intensamente romántica y clásica. Este filme sólo podría ser ejecutado por King Vidor, artesano de los sentimientos, poeta romántico, artista inigualable.

La escena inicial ( la que describe los sucesos relativos al padre de Perla Chávez ) ya por sí misma tiene mayor sabiduría fílmica que numerosas películas más loadas. Pero la película continúa en un recital de maestría en el que se encuentran comprendidas historias de amor fatal pero también de amor platónico, de dignidad, de egoísmo, de amistad, de violencia, de historias perdidas en la eternidad del desierto...

Esta película es un gran cuadro, un lienzo pintado sabiamente que se desarrolla en movimiento resultando una de las mejores películas de la historia: Perla Chávez, Lewton y la banda sonora memorable de Dimitri Tiomkin quedarán grabados en el alma de todo aquel que se adentre en el rancho de Nueva España: Naturaleza, ser humano y arte se cruzan en este prodigio.

Puntación: 5/5

11/04/2008 09:31 cineyarte #. Críticas de cine No hay comentarios. Comentar.

Crítica número 34: Ordet (La palabra) (C. T Dreyer, 1955)

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El mensaje cinematográfico de Jesucristo mostrado por Dreyer
Ordet nos muestra la vida rural de una familia en la europa del norte. Esa familia vive en un pequeño pueblo, en una sociedad reducida. En esa pequeña sociedad muchos son los que hablan de religión, sobre Diós, sobre los hechos de la biblia...Pero POCOS CREEN.

Sólo algunos aman verdaderamente al prójimo. Sólo algunos obran como cristianos, precisamente los que no recurren a la retórica oficial. Algunos están tan ensimismados en esta retórica que incluso (discutiendo con sus vecinos, no amando a sus cónyuges, catalogando y denigrando al diferente o adoptando actitudes pretenciosas) son incapaces de cumplir sus fundamentos.
La fe no es pues algo mecánico predispuesto por textos, sino algo que se debe vivir y que debe reinar en todas nuestra acciones, algo que se debe poner en práctica en la realidad física, no recluída en la dimensión de las ideas.
Para subrayar esa diferencia entre lo predicado y lo realizado aparece Johannes, un personaje considerado loco por vivir totalmente sumido en la fe religiosa que el resto de la comunidad dice practicar.
Johannes, personificación de Cristo, traerá el mensaje originario de Diós y mostrará como la fe es algo absoluto, que se demuestra con hechos, no con palabras, en lo que se cree y se vive conforme a ello o en lo que no se cree y se teoriza para relegarlo al mundo de las ideas. No hay posiciones intermedias. El que vive conforme a Diós no deja de hacerlo porque no sea consciente de ello o porque otros le juzguen más o menos correcto: el hecho religioso desborda las denominaciones o descripciones, se encuentra en otra dimensión trascendente.
Ciertamente, ORDET, debe experimentarse ya que, del mismo modo que la fe descrita en ella, es necesario vivirla para entenderla siendo inútil cualquier ejercicio de descripción.
Para un agnóstico como yo Ordet es, además de una destilada muestra de adecuación de la técnica al servicio de lo narrado, una apasionante profundización cinematográfica en la creencia religiosa y, en última instancia, en la moral y en el significado vital, trascendente, del ser humano.

No obstante, creo que forma parte de ese grupo de obras que se basan demasiado en un pretendido mensaje o moraleja. Un filme debe, a mi juicio, presentar personajes, acciones, sucesos, debe ser autónomo, y en todo caso puede, dentro de su compejidad, plantear mensajes morales, críticas o reflexiones. Pero no debe ser ese su único fin.

 

Puntuación: 4/5

15/04/2008 17:26 cineyarte #. Críticas de cine No hay comentarios. Comentar.

Crítica número 35: Arizona (George Marshall, 1939)

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En Arizona soñé con la libertad cinematográfica
Arizona narra lo que inicialmente parece una simple y tópica historia: hay en el oeste un pueblo conflictivo con un rufián como cabecilla que comete todo tipo de fechorías que serán combatidas por un forastero: Destry (James Stewart), el cual representará la ley y el orden.

Pero a medida que avanza el metraje observamos que no todo es tan tópico. Al contrario. Surgen una serie de matices que enriquecen el conjunto: entre otros la conducta civilizada de Destry, ciertos componentes sentimentales en el argumento relativos al borrachín que le acompaña, y el magnífico personaje encarnado por Marlene Dietrich, una cabaretera (con una mirada que encierra fatalidad, osadía y vicio) a la cual Destry cambiará la vida, la dignificará ( física y moralmente).
Todo ello es narrado de un modo amable, desenfadado, incluso cómico en algunos pasajes (como también lo hacía otro western coetaneo de similar temática: Dodge City ciudad sin ley, Michael Curtiz, 1939). Esa trivialidad en el tono no impide que la película posea dos momentos de una intensidad dramática magnífica y, además, es coherente con la conducta amigable del protagonista.
George Marshall realiza un trabajo excelente, controlando muy bien el ritmo que las situaciones requieren y empleándose a fondo en determinadas escenas clave. Por otra parte la fotografía es de bastante calidad dominando bien los contrastes entre luz y oscuridad e iluminando bien los rostros de los actores. El guión es magnífico, resultando a la postre memorable, perfectamente medido y planificado. Los diálogos son sublimes.
Arizona es un carismático clásico que parte de la modestia para acabar por convertirse en una lección de vida y de cine, filme compacto, profundo e intensamente clásico que muestra como crear personajes y sentimientos en el espectador sin recurrir a evidentes críticas a la sociedad o a viscerales demostraciones de drama o violencia. Obra maestra.

 

Puntuación: 4,5/5

21/04/2008 18:04 cineyarte #. Críticas de cine No hay comentarios. Comentar.

Crítica número 36: El tiempo en sus manos (George Pal, 1960)

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El tiempo en nuestras manos
El tiempo en sus manos es un filme notable; es correctísimo en lo narrativo (buen ritmo, duración indonea, imaginería visual excelente), su reparto es acertado, y destila aquel aroma elegante de la ciencia ficción de antaño (como pasa en las novelas de Julio Verne).

El traslado de la novela al medio cinematográfico es, pues, satisfactoria. No obstante, al pecar de cierto esquematismo y poca imaginación en su realización no alcanza el grado de sobresaliente que hubiera alcanzado de haberla realizado Jacques Tourneur o Edgar G. Ulmer, entre otros singulares cineastas, los cuales le hubieran dotado de mayor sugestividad y riqueza.

La recomiendo vívamente en una época en la que el género se ha sumido en una superficialidad galopante.

 

Puntuación:  2,5/5

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24/04/2008 10:04 cineyarte #. Críticas de cine No hay comentarios. Comentar.

Crítica número 37: La momia (Karl Freund, 1932)

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Boris Karloff, la eterna imagen de la momia.
La momia es una película de construcción sencilla, con ciertos recursos visuales aportados por su realizador (elipsis, escena en el estanque, mirada de la momia) que enriquecen la base sobre la que se sustenta; un esquemático, incluso mediocre guión.

No obstante, el éxito artístico de Karl Freund es parcial. A pesar de las virtudes visuales anteriormente expuestas, no logra salvar a su obra de la aparición de momentos con poca tensión, tediosos, demasiado carentes de fuerza.

Esa falta de pericia en la construcción dramática por parte de su director es disimulada por un grandioso artista que empapa la pantalla, aturde al espectador con su mirada firme, de infinidad de matices siniestros y románticos: Boris Karloff.

El gran maquillaje, algunos aciertos visuales de su realizador  y la increíble actuación de Karloff rescatan de la absoluta medianía a la que estaba abocada esta obra de la Universal.
Puntuación: 3,5/5

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29/04/2008 09:35 cineyarte #. Críticas de cine No hay comentarios. Comentar.

Artículo sobre Nosferatu; el personaje mítico y el terror.

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Lectores de cineyarte, quería deciros hoy que  el terror, el miedo y el misterio de lo oculto a nuestro conocimiento son elementos que nos fascinan durante toda nuestra existencia. Las pasiones bajas del ser humano se satisfacen a menudo a través de relatos de terror. En la etapa de la infancia nos asustamos fácilmente, pero sentimos curiosidad por lo desconocido. Cualquier sombra parece una amenaza, el terror o lo misterioso despierta nuestros  infantiles sentidos. Durante la adolescencia sentimos la necesidad de experiencias intelectualmente extremas y nuestro incipiente apetito carnal empieza a  provocar cierta atracción sensual de carácter morboso ante lo desconocido o lo prohibido.

Finalmente, a medida que nos adentramos en la etapa de madurez, el terror, lo misterioso, empieza a aparecer como un elemento de refrescante transgresión y evasión de nuestra calculada, y llena de condicionantes, vida. 

Cualquier momento es bueno para abandonar, intelectualmente, la (necesaria) civilización, para adentrarnos en peligrosos y oscuros reinos.     

Por este motivo, a continuación paso a reproducir un texto encontrado en Wikipedia. En él se trata la figura de Nosferatu y sus diferentes plasmaciones en la gran pantalla. Creo que la explicación es bastante interesante.

Extracto de Wikipedia:

<< Murnau quiso realizar una adaptación cinematográfica de la novela Drácula, de Bram Stoker, pero su estudio no logró hacerse con los derechos de la historia. De modo que decidió filmar su propia versión de la novela y el resultado es una película que tiene un gran parecido con la historia original de Stoker. El nombre de "Drácula" se cambió por el de "Nosferatu" (antigua palabra del rumano para vampiro o no muerto) y también se cambiaron los nombres de los personajes: el Conde Drácula es aquí el Conde Orlok, por ejemplo. Su papel fue interpretado por Max Schreck. Sin embargo, la viuda de Stoker demandó la película por infracción de derechos de autor y ganó el juicio.

El significado original de la palabra nosferatu es difícil de determinar. No hay duda de que alcanzó difusión popular a través de la novela de Bram Stoker; Stoker halló el término en cierta obra del escritor y orador británico del siglo XIX Emily Gerard, quien la introdujo en un capítulo de su obra Supersticiones de Transilvania (1885) y en su crónica de viajes La tierra más allá del bosque (1888) (la “tierra más allá del bosque” es literalmente lo que significa Transilvania en latín). Se alude a ella simplemente como el vocablo rumano para designar al vampiro; Stoker empleó el término como un calco del inglés undead o no-muerto. Esta atribución es patentemente falsa, puesto que la palabra nosferatu carece de significado conocido (aparte del introducido por la novela y las películas) en ninguna fase histórica del rumano.

Una etimología alternativa sugiere que el término proviene originalmente de los nosóforos griegos (*νοσοφορος), es decir, de los agentes transmisores de enfermedades. Esta derivación podría tener sentido cuando se observa que en varias naciones de Europa Central los vampiros eran considerados difusores de epidemias. La película de Murnau incide particularmente en el tema de la enfermedad, y su creatividad como director pudo haber sido influenciada por esta etimología. Otra teoría sugiere que la palabra significa “respiración,” un derivado del spirare latino. Una posibilidad final es que la forma que Gerard ofrece sea un término rumano bien conocido pero mal transcrito, o posiblemente un mala interpretación de los sonidos de la palabra debido a la familiaridad limitada de Gerard con la lengua. Dos candidatas a servir de origen a nosferatu son necurat (“sucio”, asociado generalmente con lo oculto) y nesuferit (“insufrible”). La forma determinada masculina nominativa de un sustantivo rumano en la declinación a la cual ambas palabras pertenecen se corresponde con la terminación ” - UL ", así que habría que hablar con propiedad del necuratul y el nesuferitul (traducibles como “el diablo” y “el insufrible”, respectivamente).

La sombra que proyecta el vampiro al subir las escaleras es una de las escenas más conocidas de la película.
La sombra que proyecta el vampiro al subir las escaleras es una de las escenas más conocidas de la película.

El tribunal ordenó que se destruyeran todas las cintas de Nosferatu, pero un reducido número de copias de la película ya había sido distribuido por todo el mundo y permanecieron escondidas por particulares hasta la muerte de la viuda de Bram Stoker.

Con el paso de los años se hicieron más copias de esas cintas (algunas de muy baja calidad y con cortes importantes). Nosferatu se labró la reputación de ser una de las mejores películas sobre el mito del vampiro y uno de los máximos exponentes del Expresionismo alemán.

Ahora, la obra Nosferatu de Murnau pertenece al dominio público y existe un gran número de copias en vídeo, generalmente de muy baja calidad ya que provienen de copias hechas a partir de otras copias de las primeras cintas distribuidas para la exhibición internacional. Muchas de ellas presentan diferencias notables de metraje, puesto que en cada país se exhibió una versión diferente de la película. Así pues, la copia francesa no es la misma que la alemana, por dar un ejemplo. No obstante, recientemente se han publicado ediciones restauradas de la película en las que se ha recuperado casi todo el metraje completo de la película original.

En 1979, Werner Herzog dirigió un revisión de Nosferatu, Nosferatu: Phantom der Nacht. Filmado con un presupuesto escaso, como era habitual en Alemania durante los años 1970, el Nosferatu de Herzog fue un éxito de crítica y es considerado un sentido homenaje a la película original de Murnau, con Klaus Kinski en el papel principal, acompañado de Isabelle Adjani y Bruno Ganz.>>

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29/04/2008 11:50 cineyarte #. Artículos sobre cine No hay comentarios. Comentar.

Crítica número 38: Nosferatu, vampiro de la noche (Werner Herzog, 1979)

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Filme que vampiriza con bastante mérito el pasado.
Nosferatu de Wener Herzog es un remake del original de Murnau. Habiendo pasado varias décadas se constata que las mejores virtudes son ideas que se extraen, cual vampiro, del pasado, siendo sin embargo los defectos de nueva factura: la música de Wagner y la final de Gounod empequeñecen a la nueva fanfarria inexpresiva compuesta para la ocasión, la caracterización del Conde Drácula proviene directamente del original silente, las escenas en las que se juega con las sombras son excelentes, también extraídas del original, y sin embargo las novedades narrativas (el nuevo estilo narrativo) consistentes básicamente en el frío estilo intelectual y determinados usos de la imagen meramente esteticistas, constituyen sus peores defectos.
Es necesario reconocer el mérito de resucitar a un mítico personaje logrando un filme notable. Ha habido un acertado análisis de la obra de Murnau, plasmando bien las ideas de irredención romántica, de sexualidad y de horror sugerido. Además se han escogido convenientemente partituras sublimes (El oro del Rin, Fausto) para engrandecer el relato.
No obstante, reconociendo esto, creo que Herzog añade de su propia cosecha las peores características de esta obra.
Irónicamente Herzog acierta cuando vampiriza (bastantes veces), pero cuando no asume su rol de vampiro falla, siendo de poco interés su personalidad.
Es un filme que tiene la suficiente calidad  como para afirmar que la resurrección fue un éxito.

Puntuación: 3,5/5

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29/04/2008 16:51 cineyarte #. Críticas de cine No hay comentarios. Comentar.


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